Una historia oral del auge del cómic de los 90... y el colapso

May 20, 2024

Si creciste a finales de los 80 o principios de los 90, es probable que recuerdes la alegría de escoger un cómic de los estantes de tu tienda, supermercado o farmacia local. Si realmente te gustaban las delicias de papel periódico bellamente dibujadas, entonces probablemente recuerdes cómo las historias y los personajes en los que se centraban estaban absolutamente en todas partes. Los informes de noticias, las camisetas, los dibujos animados y un número cada vez mayor de tiendas especializadas en cómics hicieron que los cómics parecieran universales como no lo habían sido desde, uno imagina, el apogeo de la Edad de Oro.

Grandes temas y eventos como X-Men #1 y La muerte de Superman convirtieron los cómics en hitos culturales, pero esos mismos grandes temas, junto con un mercado de especulación en crecimiento, finalmente provocaron una caída del mercado que casi acaba con los cómics en el camino.

En los últimos años, nos sentamos con algunos de los actores clave del auge y la crisis de los 90 para revivir una de las eras más exitosas y volátiles en la historia del cómic, al mismo tiempo que intentamos aprender si las lecciones del pasado podrían ayudar. evitar que la historia se repita. Sus recuerdos se publican aquí por primera vez.

Puede parecer que hemos alcanzado la saturación máxima en lo que respecta a los cómics y la cultura pop, pero a finales de los 80 y principios de los 90 los cómics eran nada menos que un fenómeno cultural, y no sólo por el éxito masivo de Batman. 89 y su campaña de merchandising y marketing sin precedentes. Esto se debió en gran medida al hecho de que era increíblemente fácil encontrarlos y comprarlos en la mayor parte de América del Norte. Su accesibilidad, combinada con un precio asequible de alrededor de 1 dólar, significó que los títulos centrados en superhéroes se vendieran constantemente. Junto al espíritu cultural de la época de la exitosa película de Tim Burton, los cómics se convirtieron de repente en el centro de atención.

A lo largo de los años, gracias a las famosas columnas Stan's Soapbox y Bullpen Bulletins de Stan Lee al final de los números de Marvel, la leyenda del divertido, frenético y casi mítico bullpen de Marvel era algo que todo lector quería experimentar. El icónico escritor y artista Bob Layton encontró un hogar en la editorial años antes, que, según recuerda, estuvo a la altura de las leyendas. "Mi tiempo inicial en Marvel fue una era afortunada para irrumpir en los cómics. Mis contemporáneos y yo estábamos en el proceso de redefinir el Universo Marvel para toda una nueva generación", dijo Layton a IGN. Y no se equivoca, ya que durante el período en que David Michelinie y Layton estaban elaborando su icónica carrera de Iron Man, Chris Claremont y John Byrne estaban en el proceso de crear uno de los arcos de X-Men más queridos de todos los tiempos, Walt Simonson estaba redefiniendo a Thor. , Frank Miller y Klaus Janson estaban remodelando Daredevil, Bill Sienkiewicz y Doug Moench estaban haciendo un trabajo innovador en Moon Knight... y eso es solo un rasguño de la superficie.

Sin embargo, no fueron sólo los creadores ya establecidos los que trabajaron lo que hizo que los cómics fueran tan emocionantes y rentables a medida que avanzaban los años 80. Los recién llegados como Todd McFarlane y Jim Lee apenas comenzaban a causar sensación que cambiaría la industria para siempre. "Fue un momento especial... un cambio de guardia que fue un momento decisivo en la historia de la empresa", recordó Layton. "Era un lugar divertido, una casa de animales artística con algunos hermanos de fraternidad muy creativos y locos. Esa atmósfera continuó durante mi estancia allí, en su mayor parte".

Trabajar junto a sus íconos mientras intentaban forjar sus propios caminos fue un acto de equilibrio para creadores como Jim Lee, quien ahora es presidente, editor y director creativo de DC Comics, pero solo tenía 23 años cuando consiguió su primer trabajo remunerado para Marvel ( escribiendo un número del título menos conocido Alpha Flight). "Cuando comencé, en realidad estaba pasando de ser un fan incondicional a poder dibujar los personajes que amaba. Así que realmente lo sentí como una celebración personal, un logro con el que siempre había soñado".

En 1989, mientras Marvel disfrutaba de un renacimiento, al otro lado de la ciudad estaba naciendo una nueva compañía de cómics. Valiant comenzó su vida en un loft del quinto piso en el centro de Manhattan con una plantilla inicial de sólo 10 personas. El nuevo editor compartió espacio de oficina con la abogada del entretenimiento Lauren Davis, hija del magnate discográfico Clive Davis, quien casualmente trabajaba con el editor de Valiant, Steve Massarsky, en la representación de artistas discográficos. La compañía fue fundada por Massarsky y el ex Marvel EIC Jim Shooter, quien pronto usaría sus conexiones para contratar a Layton.

Para el hombre que definió a Iron Man durante más de una década, parecía que los tiempos estaban cambiando y los fanáticos comenzaban a rechazar lo que ofrecían los Dos Grandes. "La buena escritura había pasado a un segundo plano frente al embalaje llamativo y efectista", explicó Layton. Shooter trajo al dibujante de Marvel para que Layton "cocreara la nueva línea de personajes Valiant y actuara como gerente de producción para el arte y la editorial de la línea de superhéroes Gold Key: Magnus, Solar y Turok".

Entonces, ¿por qué un creador de alto perfil como Layton dejaría a una de las editoriales de cómics más grandes del mundo en la cima de la industria para unirse a una nueva empresa? "Era una oportunidad para evitar convertirnos en un 'esclavo asalariado' de la industria del cómic", nos dijo Layton. "Dejé Iron Man, en el apogeo de su popularidad, con la promesa de poseer una parte de lo que creé. No existe ningún programa de jubilación ni sindicato para los creadores de cómics. Simplemente haces el mismo trabajo, día tras día. , hasta que tu cuerpo falla o te cansas de los bajos salarios y las largas horas. Dick Giordano, mi querido mentor, me enseñó el negocio de los cómics, así como los aspectos creativos. Ambos vimos en Valiant una oportunidad para mí de hacer un diferencia para toda la industria y para mi carrera en particular".

Fue sólo cuando aceptó el trabajo que Layton se dio cuenta de que algo andaba mal. "Se tomó la decisión de ocupar esas propiedades [Gold Key] y, en su lugar, buscar licencias de Nintendo y WWF". La decisión fue un gran error de cálculo, y Layton afirmó que "se perdieron millones de dólares en esos proyectos mal concebidos". Fue entonces cuando la empresa decidió apostar por los personajes de Gold Key, lo que, según Layton, "se convirtió en un último esfuerzo para salvar a la empresa de la insolvencia". Recordó la atmósfera inestable en la que el personal vivía bajo la amenaza de cierre en cualquier momento. Sin embargo, eso pronto cambiaría con el lanzamiento de la línea de superhéroes de Valiant. "Creo que el verdadero cambio ocurrió cuando convencí a mi mejor amigo y co-colaborador en Marvel, Barry Windsor-Smith, para que prestara su considerable talento a Valiant. Sé con certeza que fue Barry quien le dio a la nueva línea de superhéroes un verdadera credibilidad en el mercado directo."

En 1991, Marvel rompió récords con X-Men #1, que hasta el día de hoy sigue siendo el cómic más vendido de todos los tiempos con más de 8 millones de copias. Escrito por Chris Claremont, quien dirigió el equipo durante 17 años durante su período más exitoso, y dibujado por la estrella joven más grande de los cómics, Jim Lee, fue un gran éxito que presentó cinco portadas diferentes y vendió más que cualquier otro cómic en el mercado. en literalmente millones de copias. También fue un momento histórico ya que presentó un cambio de guardia para el título y la empresa, ya que sólo dos números después Claremont dejaría el libro. X-Men sin adjetivos, como lo llaman los fanáticos, fue un éxito absoluto y debería haber puesto a Marvel en el asiento del conductor del boom del cómic. Pero detrás de escena, se estaba gestando una rebelión que vería a un nuevo jugador ingresar al juego y cambiar la cara de los cómics para siempre.

Para comprender lo que sucedió después, es necesario comprender algo que es parte integral de los cómics de los Dos Grandes: los contratos de trabajo por contrato. En términos sencillos, significa que no importa lo que crees bajo la bandera de Marvel o DC (y algunas editoriales más pequeñas), siempre pertenecerá a la editorial y, a menos que vendas cantidades considerables del libro, probablemente nunca verás mucho. en regalías. Todd McFarlane, Rob Liefeld y Jim Lee definitivamente ganaban regalías. Como demostraron Spider-Man #1, X-Force #1 y X-Men #1, su trabajo tuvo un gran impacto en la audiencia y estaba revitalizando las ventas de cómics.

Entonces, junto con algunos amigos, se les ocurrió un plan... si estaban vendiendo los libros, ¿por qué no iniciar su propia empresa? En un ahora notorio dúo de reuniones, el grupo se sentó con los ejecutivos de Marvel y les dijo que se irían, luego se dirigió directamente a los jefes de DC para hacerles saber que no se unirían. Y así nació Image Comics. La empresa propiedad del creador se convertiría en la primera de su tipo y sus libros pronto estarían en lo más alto de las listas.

Querer ser dueños de sus propias historias después del éxito masivo que tuvieron en Marvel y DC fue parte de lo que impulsó al grupo a fundar la compañía, pero para McFarlane también se trataba de protegerse del daño que la industria había causado a sus predecesores.

"Vi lo que le hicieron a los [Jack] Kirbys del mundo, gente a la que admiraba", dijo el creador de Spawn. "Y también dentro de eso, el hecho de que el público a veces simplemente cambia a algo más cool y más moderno. Si ese no eres tú, entonces, de repente, puedes atrofiarte muy rápidamente. Para usar un ejemplo, Curt Swan, quien hizo Superman durante tanto tiempo. , el teléfono simplemente dejó de sonar porque lo suyo no era tan genial como lo que estaba haciendo la nueva generación, así que de repente fue como "Curt no dibuja como Jim, Rob y Todd". Entonces, de repente, Curt es ahora un hombre mayor y no tiene adónde ir. Vi que eso les pasó a un par de personas y pensé: 'Guau, está bien, asegúrate de protegerte contra eso'".

Los recién llegados no eran los únicos que estaban cada vez más descontentos con el negocio de los superhéroes. Después de años de dirigir la exitosa X-Office de Marvel junto a Annie Nocenti y Chris Claremont, la escritora y editora Louise Simonson estaba harta. "Una de las cosas que solía suceder en los viejos tiempos, y tal vez todavía sucede ahora, es que si te enojabas con una empresa, entonces simplemente saltabas a la otra empresa, que en ese momento estaba entre Marvel o DC", explicó Simonson. "Había estado experimentando algunas molestias en Marvel, así que cuando mi colega me pidió que fuera a escribir un nuevo libro de Superman, estaba emocionado de hacerlo". Fue parte de una cadena de eventos que conducirían al único cómic que se acercaría a los locos números de pedidos de X-Men #1, con un título que sería ampliamente conocido como "la novela gráfica más vendida de todos los tiempos".

En este punto, sin embargo, los creadores de La muerte de Superman ni siquiera sabían que iba a morir, y antes de tomar esa decisión, sucedería algo más que ayudaría a que el coleccionismo de cómics se convirtiera en algo común y terminaría arruinando a la industria. al caos.

El 18 de diciembre de 1991, en la primera subasta de cómics de Sotheby's, se vendió una colección de títulos a precios récord. Fue un momento histórico para la industria y fue la onda que desencadenaría el maremoto del auge especulativo. En esa fría mañana de invierno en Manhattan, Detective Comics #27, la primera aparición de Batman, se vendió por 55.000 dólares, más de 20.000 dólares más que su estimación original. Marvel Comics #1 se vendió por 28.600 dólares, lo que en realidad fue decenas de miles menos de lo esperado. A esos dos gigantes se unió la primera aparición del Capitán Marvel, ahora mejor conocido como Shazam, en Whiz Comics #2, que se vendió por unos relativamente pequeños $9,900. Se trataba de precios innovadores para productos que antes se consideraban esencialmente desechables. Irónicamente, fue esa disponibilidad lo que condujo a la escasez que dio a los cómics más antiguos su valor inherente, un hecho que fue ampliamente ignorado pero que se volvería monumentalmente importante en el siguiente auge y colapso inevitable.

Dio la casualidad de que la subasta en Nueva York reunió a McFarlane, Lee y Liefeld mientras se dirigían a Sotheby's para vender su arte original de series como Spider-Man, X-Force y el trabajo completo de Jim Lee en X-Men #1. , que acabó acumulando 44.000 dólares por toda la emisión. Fue durante este fatídico fin de semana que el trío consolidaría su plan de irse y fundar Image Comics. Liefeld ya le había preguntado a su amigo, el escritor de Guardianes de la Galaxia, Jim Valentino, y al sucesor de McFarlane en Amazing Spider-Man, Erik Larsen. Lee trajo a la estrella de Uncanny X-Men y compañero de estudio, Whilce Portacio, para el viaje, elevando la lista a seis. Pero con la comunidad de cómics reunida en la Gran Manzana, decidieron atacar, logrando también asegurar al último miembro de su equipo con el incondicional Marc Silvestri. Image Comics sacudió la industria, dándole a Marvel y DC un nuevo competidor inesperado formado por algunas de sus ex estrellas más importantes. De hecho, los siete creadores que abandonaron los Dos Grandes a finales de ese año para fundar Image habían trabajado en 44 de los 50 libros más vendidos de 1991.

En este punto, los cómics todavía se vendían a través de múltiples distribuidores y canales, aunque todo eso estaba a punto de cambiar, y no importa qué cifras de ventas mires, Image estaba causando un daño grave. El primer lanzamiento de la compañía, Youngblood #1 de Liefeld, ocupó el sexto lugar en ventas mensuales, una gran hazaña para un libro que no pertenece a los Dos Grandes. Pero al mes siguiente Spawn #1 de McFarlane fue el cómic más vendido en el país, superando al título insignia de Marvel, X-Men. A finales de año, según las estadísticas de ventas de Diamond Comic Distributors, Image tenía cuatro de los mejores libros publicados, lo cual era un logro inaudito para una empresa que ni siquiera había existido durante 12 meses.

El equipo estaba cambiando la cara de los cómics y, aunque estaba haciendo maravillas con las ventas y el perfil del medio alguna vez olvidado, no todos estaban contentos con eso. Lee todavía recuerda el desprecio que algunos miembros de la vieja guardia tenían hacia los jóvenes. "Creo que las generaciones anteriores no sabían qué hacer con el trabajo que estábamos haciendo. Eso es simplemente natural; cada generación sentirá que la nueva generación está haciendo un trabajo despreciable o está destruyendo la forma de arte, y ciertamente nos topamos con Eso. Nos etiquetaron como los jóvenes punks. Había otras palabras más peyorativas para nosotros también, los jóvenes lo que sea. Creo que eso nos unió aún más. ¿Quién sabe? Quiero decir, esa podría haber sido realmente una de las razones. "Se formó, porque éramos nosotros contra el mundo, nuestros críticos y cualquiera que no estuviera contento con los cambios que estábamos haciendo en los cómics".

Con la creciente popularidad de los cómics de superhéroes y una nueva franja de talento, Valiant estaba planeando algo grande. "Eran un competidor exitoso de Marvel y DC, pero no de gran éxito", dijo Kevin VanHook, quien se unió a la compañía en 1992. "Se mantenían con vida. Llegué allí en el momento adecuado; lanzamos un crossover para toda la empresa llamado Unity y fue enormemente exitoso. Nuestros libros comenzaron a crecer como una bola de nieve a partir de ahí. Así que pasamos de vender quizás 40.000 copias en el segmento superior a vender varios cientos de miles de copias en promedio. Luego co-creé Bloodshot, que llegó a casi un millón de copias. Así que fue un cambio muy rápido de marzo a noviembre para este rápido aumento de ventas". Y dio la casualidad de que Bloodshot compartiría fecha de lanzamiento con otro gran título que se convertiría en el cómic más vendido del año.

Mientras VanHook y Valiant comenzaban a crearse un espacio en el mercado de superhéroes, DC Comics estaba planeando una boda. Durante meses, el grupo de Superman había estado elaborando un gran evento que se centraría en las nupcias del héroe titular y su amor de toda la vida, Lois Lane. Pero cuando la llegada del nuevo programa de televisión Lois & Clark: Las nuevas aventuras de Superman puso fin a ese plan (los empresarios no querían que los cómics chocaran con la trama del programa), sucedió algo que cambiaría la cara de DC y la industria del cómic durante décadas, y todo comenzó porque los creativos detrás del héroe kryptoniano no estaban muy contentos, como recordó Simonson. "¡Estábamos enojados! Entonces Jerry Ordway dijo: 'Vamos a matarlo'". Y dijimos: 'Sí, matémoslo'".

Fue una decisión de una fracción de segundo que conduciría a la creación de uno de los libros más emblemáticos de DC. "No fue deliberado; no sabíamos que tendría tanto éxito", dijo Simonson a IGN. "Sabía, estoy seguro de que todos los que trabajan en cómics lo sabían, que la muerte vende".

Aun así, el escritor de El Hombre de Acero no contaba con que dominara las listas de ventas. "Tal vez algunos de nosotros lo hicimos, pero yo personalmente no había pensado en eso en ese contexto", dijo. "Por un lado, matamos personajes todo el tiempo. Sabes que los personajes volverán porque son cómics. Nunca mato a un personaje que no sé cómo voy a traer de vuelta".

A pesar de todo eso, una noticia casual cambió todo, convirtiendo la decisión de matar a Superman en un titular internacional. Aunque, como señaló Simonson, Superman era un personaje muy popular y rentable que, de manera realista, nunca iba a ser asesinado de ninguna manera definitiva, eso no parecía importarle a los fanáticos ni a los medios. "Al final, tuvo mucho éxito en parte porque era Superman, por supuesto, pero en parte porque era un día con pocas noticias. Por alguna razón, CNN decidió hacer un gran anuncio, 'Superman muere', y todo De repente fue algo muy importante. Tenía amigos en Francia que eran estadounidenses y un tipo que conducía un taxi los reprendió porque los estadounidenses habían matado a Superman: '¿Cómo se atreven?'"

La muerte de Superman (Superman #75) se convertiría en el cómic más vendido de 1992, generando un gran impacto que aún existe hoy. Valiant no replicaría ese éxito, pero estaba creando su propio legado, que tendría un impacto a largo plazo en la industria. "Hicimos algo que llamamos Gold Books como agradecimiento a nuestros minoristas. Si compras tantos títulos de algo, te daremos tantos Gold Books, que tendrían un logotipo en tinta dorada en el título", recordó VanHook. Si ese concepto le suena familiar es porque los Valiant Gold Books eran esencialmente la versión original de la ahora infame portada de incentivo que impulsa gran parte de las ventas de cómics modernos. Este invento abrió una nueva fuente de ingresos para Valiant que definiría gran parte de su producción. "También teníamos variaciones en las que podía haber un tipo especial de Libro Dorado grabado en relieve", continuó VanHook. "Lo que hicieron fue, además de crear algo que fuera un agradecimiento a los minoristas, crearon una variante coleccionable única. Llegó al punto en que algunas personas en la prensa de cómics se refirieron a nosotros como la Franklin Mint de los cómics porque creamos y coleccionables fabricados."

Alguien que había intentado hacer despegar un concepto similar en Marvel durante su muy popular carrera en Amazing Spider-Man fue McFarlane, quien compartió una historia sobre su intento de tener dos versiones de una portada para el histórico número 300, que en el tiempo era inaudito. "Está Spider-Man con el traje negro en el número 300 y luego en el n.° 301 estaba él con su traje normal, la misma pose, con el fondo blanco", dijo. "Estaba proponiendo hacer ambas cosas para el mismo libro, porque él va a volver a su rojo y azul al final de este libro, para que podamos tener un poco de cada uno. Su respuesta fue: 'Todd, nadie'. hace más de una portada para un libro. Eso es una tontería.'" Irónicamente, DC había hecho exactamente eso con El Hombre de Acero de 1986 dos años antes, creando el primer cómic que se comercializaba con las portadas variantes que pronto convertirían la industria en una espacio completamente diferente.

Marvel cambió su tono con Spider-Man #1 de 1990, que tuvo las primeras portadas variantes de la compañía y presagió el auge de variantes que vendría solo un par de años después. Con la misma imagen de McFarlane adornada con diferentes colores, estas portadas alternativas utilizaron diferentes tintas metálicas e incluso incluyeron una versión platino preparada especialmente como agradecimiento a los minoristas de cómics, anterior a la iniciativa de Valiant. "Entonces fue, 'Oye, ¿podríamos salirnos con la nuestra con dos portadas ahora mismo?' Luego, unos cuantos años más tarde, no sé si alguien alguna vez recordó mi sugerencia o no, o si a alguien se le ocurrió por su cuenta, pero ahí estaba, la plata, la dorada y la regular", dijo McFarlane. . "Creo que también había un par en bolsas de plástico o algo así. Ya entonces me parecía excesivo".

Este aspecto de la cobrabilidad generó una especulación desenfrenada y fue una parte clave del colapso que pronto se produjo. Al igual que Marvel y DC con sus portadas variantes y problemas de eventos, Valiant quedó atrapado en la refriega. "Hubo un período realmente único en el que, por muy bien que se vendieran nuestros libros, su valor se disparaba en una o dos semanas. Fue fantástico mientras duró, pero no me engañé pensando que duraría". durante mucho tiempo. Salíamos con un libro y dos semanas más tarde se vendía por 75 dólares", recuerda VanHook. Su co-creación Bloodshot debutó en Bloodshot #1 con una nueva creación de Valiant: la cubierta cromada. "El proceso único [de cromo] fue algo que realmente hizo clic entre los fanáticos. Eso ayudó a impulsar enormes ventas", dijo.

Marvel había tenido el mismo éxito con sus enormes ventas de X-Men #1, que tenía cinco portadas variantes y, en opinión de McFarlane, fue un punto de inflexión para la industria. "Fue entonces cuando realmente empezaste a meterte en las cubiertas de aluminio y las cubiertas de hologramas y todas las demás cosas", dijo. "Fue eso, diría yo, lo que ayudó a acelerar el alejamiento de los clientes de las tiendas". En DC, mientras Simonson observaba a los fanáticos apresurarse a comprar múltiples copias de Superman #75 (y los crossovers posteriores), sintió una especie de responsabilidad por la creciente popularidad de los cómics como inversiones. "Personalmente sentí que quería decirle a la gente que deberían comprarlo si quieren leerlo", dijo. "Simplemente no creo que vayamos a sacar dinero de ello. Pero a todo el mundo parece gustarle la especulación. Recuerdo que habíamos visto un especial de televisión sobre el mercado de bulbos de tulipán enloquecido y es el mismo tipo de cosas. Me pregunto si es algo así como la lotería donde: cuando compras tu billete de lotería sabes que no hay ninguna posibilidad... pero hay un pequeño destello de esperanza".

Layton también estaba preocupado mientras Valiant intentaba perseguir el éxito y los números de sus homólogos editoriales. "Recuerdo estar sentado en una reunión, al comienzo de nuestro éxito... donde acordamos mutuamente, como administración de la compañía y accionistas minoritarios, no imprimir nunca más de 500.000 copias de ninguno de nuestros títulos. Insistí en el hecho de que las cifras que Marvel estaba vendiendo en su título número uno, X-Men, no reflejaban el número real de lectores en el mercado del cómic. Nuestras propias encuestas de marketing indicaron que Valiant tenía aproximadamente 300.000 lectores habituales. Imprimir más de 500.000 copias de cualquier libro eventualmente volvería a ser un éxito. muerdenos en el culo."

Ese límite de impresión en toda la empresa se mantuvo por un tiempo, pero con el aumento de las cifras, llegaron enormes pedidos anticipados de Diamond y los demás distribuidores. Los números que Layton compartió fueron impresionantes y abrumadores, con títulos como Rai and the Future Force #1 alcanzando las 900.000 copias, XO Manowar #0 igualándolo y la increíble hazaña de Turok #1 alcanzando las 1.750.000 copias. "Por supuesto, la avaricia... es una puta", dijo. "Con el tiempo, la tentación se volvió simplemente demasiado grande para resistirla y mis socios comenzaron a imprimir según las demandas de los especuladores. Esa decisión demostró tener enormes repercusiones negativas para nosotros y para toda la industria en el futuro".

Todo lo que sube debe bajar, y mientras el resto de la industria vio la repentina caída de las cifras como nada más que una fase, Fred Pierce, vicepresidente de fabricación de Layton y Valiant, ya se había dado cuenta de que algo andaba mal. Desgraciadamente, estaban solos en sus preocupaciones y algunos de sus superiores en la editorial tenían sus propias ideas sobre cómo solucionarlo. "A medida que las cifras de ventas comenzaron a caer, Massarsky nos impulsó el desafortunado y mal concebido proyecto Deathmate. Principalmente, fue inventado porque Massarsky y Jim Lee eran mejores amigos en ese momento y habían organizado el crossover en privado sin consultar a nadie. en la redacción o la gestión", afirmó Layton. "El proyecto literalmente se nos metió en la garganta, pero hicimos todo lo posible para cumplirlo, a pesar de que la mayoría de los creadores de Valiant pensaron que era una muy mala idea. Era una 'apropiación de dinero' obvia, diseñada para reforzar nuestros números caídos. Además Además de eso, los creadores de Image Comics no podrían cumplir con la fecha límite de publicación con una pistola en la cabeza".

Uno de esos creadores de Image, Lee, recordó que durante la gira de prensa de Deathmate fue la primera vez que se dio cuenta de que la caída podría no ser temporal: "Cuando hablas de la implosión y la caída de las ventas, recuerdo haber hablado con alguien durante Deathmate, cuando Íbamos en autobuses turísticos y íbamos a tiendas, y un tipo que trabajaba en ventas de Valiant dijo: 'Oh, ya sabes, las cosas no pintan bien'. Y recuerdo que ese fue el primer presagio (sin juego de palabras) porque él lo llamó. Sabía que no era algo cíclico. Dijo: "Va a empeorar mucho". Tenía razón. Pero estaba en conversaciones diarias con minoristas y observaba las cifras de ventas. Estoy seguro de que tenían una hoja de cálculo para poder ver las tendencias generales. Pero para nosotros siempre era como: "Acabamos de aumentar las ventas en un 10 %". !' Todo lo que habíamos experimentado hasta entonces en nuestras carreras era una tendencia ascendente, así que nunca podría haber imaginado que este gran viaje en el que estábamos llegaría a su cenit y luego daría un giro brusco hacia abajo".

Lee, Liefeld y McFarlane eran todavía relativamente jóvenes y vivían de la riqueza, el éxito y el brillo de Image. En lo que respecta a Lee, mirando hacia atrás no tenía idea de que se avecinaba el accidente. "Diré que otros pueden sentir lo contrario, pero yo estaba en pleno modo de aprendizaje", dijo. "Yo diría que mi perspectiva sobre lo nuestro era bastante miope. En realidad se trataba de que cumpliéramos una fecha límite [y] si este [arte] se veía bien. No se trataba de elaborar una estrategia sobre el plan quinquenal o este es el Un look que va a estar de moda de vez en cuando; todo fue en el momento. Creo que eso fue parte de su atractivo. Fue visceral. Fue muy impactante. Fue muy inmediato. Estas páginas de presentación, estas imágenes, esta grandilocuente narración. Todo se hizo al enésimo grado en términos de drama y energía, apretar los dientes y energía. Nada se hizo con moderación. No se reprimió nada. Pensamos, si esto funciona, deberíamos llevarlo al enésimo grado. . Así que el trabajo se sentía joven y cinético, y conectaba con la audiencia de una manera que los trabajos anteriores no lo habían hecho".

Las ventas cayeron a medida que los clientes se cansaron de los constantes eventos y las variantes de las portadas. El especulador promedio se dio cuenta de que 10 copias de Spawn #1 no podían usarse como ahorro de la misma manera que lo había sido Action Comics #1 para esos pocos afortunados, aunque durante la reciente mini burbuja especulativa de COVID, aquellos con algunas copias de El debut de Spawn podría haber estado feliz de que los mantuvieran disponibles, lo que significa que no valía la pena comprar el próximo número 1, y muchas de las comunidades de tiendas de coleccionistas especializadas conocidas como tiendas de cómics comenzaron a cerrar. Como señala Layton, un gran problema para las tiendas fue el hecho de que el mayor proveedor de cómics del país no permitía devoluciones. "Eso significa que hay porcentajes desconocidos de libros mensuales que siguen sin venderse a nivel minorista, lo que posiblemente represente hasta el 20% de las ventas totales", dijo. "Con el tiempo, el inflado inventario de productos no vendidos lleva a que la tienda de cómics quiebre y tenga una enorme deuda crediticia con Diamond".

Otro joven creador que vio el daño causado por el accidente fue VanHook, que sólo tenía 26 años cuando co-creó Bloodshot. "Había algunos de nosotros que estábamos haciendo cosas como comprar condominios y esas cosas, lo cual es muy inteligente", dijo. "Algunos de ellos simplemente estaban desperdiciando su dinero. Recuerdo haber dicho: 'Solo por lo que vale, esto no durará. Esto no es normal. Estamos entrando en una locura especulativa. Estamos entrando en una fase en la que "Son increíblemente populares, pero he visto estos ciclos". Pero la mayor diferencia fue que históricamente estos serían ciclos de tres y cuatro años que se repetirían. Este fue un momento en el que no teníamos esa acción repetida. Simplemente tuvimos una especie de auge y caída y luego, algo así como, ya sabes, en realidad nunca volví a la altura".

Las ventas de cómics nunca han vuelto a alcanzar el pico de los años 90. Aunque la tendencia especulativa ha disminuido, sigue siendo parte del negocio. A pesar de que ciertos cómics, como los lectores jóvenes y las novelas gráficas originales, se venden mejor que nunca, las ventas de cómics de Diamond a las tiendas rara vez alcanzan las alturas del auge. Layton tiene palabras fuertes sobre la posibilidad de otro accidente. "Lamento decirlo, no fue un momento singular", dijo. "Las empresas necesitan empezar a pensar fuera de lo común y explorar la creación de entretenimiento accesible en precio y contenido para un mercado masivo y en un formato que no tenga que estar encerrado en plástico sólo para sobrevivir al manejo".

"La especulación fue causada por (hay muchos factores), pero uno de los factores principales fue que había gente que venía del negocio de las tarjetas coleccionables y especulaba sobre los cómics, compraba cajas de cómics y trataba de darles la vuelta", dijo. Sotavento. "Básicamente, los intercambiaban como productos básicos, sin abrir y sin leer. Y creo que uno de los grandes aspectos positivos de que el negocio pase de centrarse en el arte a centrarse en los escritores es que tienes más lectores. Creo que tenemos una base mucho más amplia. de lectores y lectores digitales también. Por eso creo que nuestro negocio está más diversificado. No tenemos todos los huevos en la misma canasta. Tenemos más lectores que compran cómics, y también lectores digitales, que no compran cómics para voltear. a ellos."

Para Lee, las cifras más bajas pero constantes están en marcada yuxtaposición con el auge en el que las cifras se inflaron masivamente por la especulación y las variantes que, en su opinión, hace que los cómics contemporáneos sean más estables: "Cuando tienes un millón de copias del libro, y digo El 70% de ese número (sólo estoy inventando números) no lo leen, puedes ver lo peligroso que sería a largo plazo. Ahora creo que la mayor parte de nuestro negocio (ya sea digital, lectores jóvenes e incluso "Nuestro principal público de lectores en el mercado directo son lectores, y si bien hay personas que compran libros basándose en la escasez, sigue siendo un porcentaje relativamente pequeño de nuestra audiencia".

Si bien algunas de las entrevistas presentadas en este artículo tuvieron lugar justo antes del brote de COVID-19, Lee y Layton terminaron teniendo razón a su manera, ya que la pandemia de 2020 coincidió, y de alguna manera condujo, a otra burbuja especulativa en el industria del cómic, que actualmente se está desinflando pero de manera mucho menos devastadora. A medida que la gente permanecía en casa y, en algunos casos, tenía acceso a más ingresos disponibles, comenzaron a gastar dinero en artículos de colección, incluidos cómics. Aunque la tendencia tenía similitudes con el auge y la caída de los 90, el minorista de cómics Ryan Skinner de Pulp Fiction Long Beach explica a IGN que el auge y la no del todo caída de la década de 2020 fueron únicos a su manera y, si bien el COVID fue un factor, No fue la chispa que encendió el fuego.

"El mercado ya tenía esa tendencia", dice Skinner. "Pero el COVID lo envió a la estratosfera. Antes del COVID ya estábamos viendo un aumento en las ventas y las colecciones, pero cuando la gente estaba atrapada en casa, buscaba en Internet, en eBay". De repente, las personas que crecieron durante el boom original de los 90 volvieron a pensar en el valor potencial de los cómics como inversiones y ahora, como adultos, tenían ingresos disponibles. Como él señala, también estábamos saliendo del pico de la tendencia de las películas de cómics, con Vengadores: Endgame, y el éxito de las películas impactó la forma en que la gente coleccionaba cómics con el anuncio de nuevos personajes elevando los precios de las ediciones clave que los presentó.

Si bien los años 90 tuvieron múltiples variantes y tendencias de pedidos excesivos, Skinner destacó algo que parecía nuevo y muy inspirado por la forma en que los cómics se vendían y revendían en línea, y todo se centraba en el concepto de impresiones repetidas de los números. "En el pasado, una segunda impresión era sólo una oportunidad para que alguien consiguiera un número que se había perdido. Y en la comunidad de coleccionistas durante mucho tiempo, la primera impresión era la versión más coleccionable del cómic". Las cosas cambiaron durante la COVID cuando Skinner explica que "en algún momento la gente empezó a pensar en la segunda y tercera impresión como variantes" y los editores respondieron de la misma manera. "Una de las cosas más locas que recuerdo es cuando algo se puso realmente de moda como Donnie Cates en Thor, alrededor del número 3 o 4 estaban haciendo cinco o seis impresiones diferentes de estos libros y cada impresión tenía variantes de proporciones [portadas que las tiendas tienen que ordenar una cierta cantidad de una emisión para recibir]."

Como era de esperar para cualquiera que haya vivido el auge de los años 90, ese inmenso interés (y las ventas explosivas) de números extremadamente específicos pero ampliamente impresos pronto comenzaron a decaer, especialmente cuando la inflación se disparó, aunque Skinner explica que no fue de la noche a la mañana. "Fue gradual. Mi sentido arácnido empezó a hormiguear cuando la gente no quería coger todos sus libros". Si bien ha visto una desaceleración, especialmente en los precios de las emisiones clave y la especulación generalizada, Skinner se muestra reacio a llamarlo fracaso. Y cree que hay un lado positivo en todo esto y se trata de los lectores. "La esperanza es que tomes a todas estas personas que se sienten atraídas por el revuelo, porque sabes que no va a durar, así que intentas retener a la mayor cantidad de gente posible e intentas que se interesen en los cómics, no porque por el valor que se les atribuye, sino porque son geniales".

Entonces, ¿qué otras predicciones tenían las leyendas del cómic con las que hablamos? Bueno, Layton tuvo pensamientos extremadamente interesantes y oportunos sobre el mercado en constante crecimiento de películas de cómics y servicios de transmisión en línea, planteando un punto que en 2023 parece más relevante que nunca. "Los cómics ahora compiten con sus propias empresas matrices, que producen entretenimiento utilizando las mismas propiedades intelectuales", afirma. "Una vez que una IP alcanza un estatus global icónico como Iron Man o Avengers, es difícil justificar la publicación de versiones impresas, que pueden tener un costo prohibitivo y tener poca o ninguna conexión con esas versiones del mercado masivo".

Pero Layton no es todo pesimismo, tiene esperanza para el futuro. "Estoy extremadamente agradecido por todo lo que los cómics me han brindado a lo largo de mis casi 50 años de carrera", dice. "Existe una solución y creo firmemente que aparecerá un cerebro como Steve Jobs... eventualmente... y creará un modelo de negocio completamente nuevo para la industria. Los cómics no morirán... pero deben evolucionar para sobrevivir. Pero alguien que Muchos más inteligentes que yo tendrán que resolverlo todo".